Lorsqu’on ouvre un album de Tintin, d’Astérix ou un comics de Spider-Man : les couleurs éclatent dès la première case. À l’inverse, un tome de One Piece, de Naruto ou de Berserk affiche de l’encre noire, du papier blanc, et rien d’autre. Ce monochrome est la norme pour la très grande majorité des mangas, à l’inverse de la BD franco-belge ou des comics américains.
Ce choix n’a rien d’un hasard ni d’un simple caprice esthétique. Il résulte d’une combinaison de facteurs historiques, économiques, techniques et artistiques, qui ont fini par forger l’identité visuelle du manga que l’on connaît aujourd’hui.
L'héritage d'une époque
Pour comprendre le noir et blanc, il faut remonter à 1945. À la sortie de la guerre, le Japon traverse une crise profonde marquée par de fortes pénuries de matériaux. Le papier de qualité et l’encre de couleur deviennent rares, et de ce fait, très coûteux.
Dans ce contexte, les éditeurs font un choix pragmatique : imprimer en monochrome sur du papier journal bas de gamme. L’objectif est de rendre la lecture accessible au plus grand nombre, à une époque où peu de foyers peuvent s’offrir des livres coûteux. Le manga s’impose ainsi comme un divertissement populaire, bon marché et facile à diffuser.
Ce modèle ne s’est jamais vraiment démodé et se prolonge même jusqu’aujourd’hui dans les magazines de prépublication hebdomadaires tels que le Weekly Shōnen Jump. Ces publications regroupent des centaines de pages vendues à très bas prix et sont conçues pour être lues rapidement, puis recyclées. Imprimer ces volumes en couleur ferait exploser les coûts et irait à l’encontre de leur raison d’être.
Le marathon du mangaka
Le deuxième facteur est celui du temps. Un mangaka sous contrat hebdomadaire doit produire environ 15 à 20 planches par semaine, souvent aidé par une équipe d’assistants. Et ce, semaine après semaine, parfois pendant des années.
Ainsi, le contraste avec l’Occident est frappant. En effet, un album de BD franco-belge de 48 à 64 pages en couleur, demande plusieurs mois, voire un an de travail à son auteur. Au Japon, l’organisation est toute autre : c’est une cadence de production constante qui prévaut, sans temps mort.
Dans ces conditions, colorier 20 pages par semaine serait tout simplement impossible à tenir physiquement. Le noir et blanc permet au contraire aux auteurs de concentrer leur énergie sur l’essentiel : l’expressivité des personnages, la lisibilité de l’action et le dynamisme du trait.
L'art des trames et des contrastes
Si le manga se passe de couleur, il ne se prive pas pour autant de nuances. Pour compenser l’absence de teintes, les auteurs utilisent les trames, ou screentones : des feuilles adhésives, aujourd’hui remplacées en grande partie par leur équivalent numérique, imprimées de motifs variés (points, hachures, dégradés).
Ces trames sont de véritables outils de mise en scène. Elles permettent de figurer les ombres, les textures de vêtements, les ciels ou encore la lumière, et donnent de la profondeur à des planches qui pourraient sembler plates.
À cela s’ajoute la puissance du clair-obscur. Le jeu entre aplats de noir profond et blancs purs offre un contraste visuel fort, idéal pour accentuer la tension, la violence ou le relief d’une scène. Dans un combat de shōnen ou une séquence d’angoisse, quelques aplats d’encre bien placés suffisent souvent à produire plus d’effet qu’une palette entière.
En conclusion
Née des contraintes d’après-guerre et des délais de production, l’esthétique du noir et blanc est aujourd’hui indissociable du manga. Ce qui était à l’origine une solution économique et pratique s’est transformé en véritable marque de fabrique, reconnaissable au premier coup d’œil.
Les pages couleur existent bien, souvent pour les couvertures ou les illustrations d’ouverture de chapitre, et les adaptations en anime donnent à voir ces univers sous un autre jour. Mais c’est bien en noir et blanc que le manga a trouvé son langage, preuve qu’une limite peut devenir une force.